10 julio, 2019
Author: Jordi Noddings

Louis Kalff, y el logotipo de Philips

Si os dais una vuelta por nuestra web veréis que, si hay un elemento fetiche que sobresale entre nuestro mobiliario de colección: son las lámparas diseñadas por Louis Kalff fabricadas por Philips. Nos parecen increíbles, adelantadas a su tiempo, Introducen un componente de diseño que las hacen originales, inconfundibles y crean un discurso continuado durante varias décadas que se prolonga en el tiempo.

 

 

Louis Christiaan Kalff, (Amsterdam ,1897 – Waalre 1976) se formó inicialmente como diseñador gráfico. Su padre era director del periódico holandés Algemeen Handelsblad. Kalff estudió en la Escuela de Artes Aplicadas Quellinus Amsterdam (hoy Academia Rietveld) y en la Universidad Técnica de Delft.
En 1925 Louis Kalff empieza a trabajar en el departamento de publicidad de Philips en Eindhoven. Poco a poco las ideas del joven Kalff se extienden más allá del campo publicitario, y en 1929 pasa a dirigir la recién fundada Lichtadviesbureau (Libu) un nuevo departamento de consultoria en iluminación que participó en las exposiciones universales de Barcelona, Amberes, Bruselas y París.

 

Pero una de las obras más extendidas, y al mismo tiempo tiempo más desconocidas de Kalff es diseño del logotipo de Philips, una de las marcas más populares y extendidas del mundo.

 

El mismo Kalff explicaba que el origen de este emblema surgió por coincidencia:

«El famoso emblema de Philips, las estrellas y las olas, surgió por coincidencia. Como arquitecto, no tenía idea de cómo funcionaba una radio. Así que pregunté» ¿Qué es una radio, en realidad? ¿Y cómo transmite el sonido? «Alguien me dijo que las ondas se enviaban al aire, el aire que nos rodeaba, y que estas ondas de radio podían transmitir el sonido. Cuando tuve que hacer el embalaje para las lámparas de radio, utilicé Los colores amarillo, rojo y púrpura. Un fondo púrpura con estrellas cuadradas amarillas (se convirtieron en una especie de sello de Philips también) y debajo una franja amarilla con ondas rojas, seis ángulos, tres debajo uno del otro, que cruzaron el cielo púrpura con el Estrellas amarillas. Y la palabra Philips se imprimió debajo de todo”

 

Pero como todo lo importante está en completa evolución este logo también tuvo que evolucionar para protegerse de una casualidad. Los primeros gramófonos y radios de Philips estaban fabricados con cajas de madera que les proveía la marca NSF de Hilversum, pero debido a la expansión y al éxito de las mismas, Philips buscó un nuevo fabricante de cajas, y para ello contactó con un fabricante de pianos de maca Phillips (con doble “l”) de Frankfurt.

Debido a la similitud del nombre, el departamento de patentes preguntó si se podrían combinar las olas y las estrellas, que prácticamente se habían convertido en marcas comerciales, con la palabra Philips, ya que pensaban que la marca podría protegerse de esa manera.

“Fue entonces cuando hice el emblema de Philips con la palabra Philips en la parte superior y debajo de un círculo con las olas y las estrellas. Era tan popular que el Sr. Philips pensó que era necesario hacer pequeños alfileres de esmalte con el emblema en ellos para que Seguridad se los pusiera en sus sombreros y para que los comerciantes los repartieran en conferencias»

 

Kalff también diseñó carteles y la publicidad como freelance para la Holland America Line, Calve, Mar Resort Scheveningen, o Holland Radio.

En Philips Kalff también trabajó como arquitecto de edificios tales como el Dr. AF Observatorio Philips (1937) en Eindhoven, Diamantboorderij (1948) en Valkenswaard y algunas casas de Eindhoven y Philips Waalre para ejecutivos.

Después de la Segunda Guerra Mundial Kalff de Philips se mantuvo activo en el diseño industrial, época en la que produjo el diseño de la mayor parte de sus lámparas hoy ya verdaderos iconos, hasta retirarse en 1960.

Antes Kalff trabajaría intensamente con Le Corbusier y el músico Edgar Várese en la construcción del pabellón de Philips en la Exposición Universal de Bruselas en 1958, concebido como una “poema electrónico” en el que intervenían la arquitectura, la luz y la música.

El último trabajo como arquitecto de Kalff es el Evoluon, un centro de conferencias y el antiguo museo de la ciencia erigida por la electrónica y la compañía eléctrica de Philips en Eindhoven para conmemorar el 75 aniversario de su creación. Este edificio se asemeja a un platillo volante aterrizado, y también a muchas de las lámparas que antes diseñara Kalff.

22 enero, 2019
Author: Jordi Noddings

Armando Mesías, la frontera entre el dibujo y la pintura.

 

«Las marcas, textos y capas en sus obras revelan su historia»

 

 

 

Armando Mesías (1986) es un artista visual colombiano de Cali. Su trabajo se enfoca en pintura y dibujo, y la exploración de las fronteras entre ambas. Después de realizar su Maestría en artes en The University of the Arts London (UAL), Armando se mudó a Barcelona, donde ahora se enfoca por completo en su práctica en su estudio.

Durante los últimos 15 años Armando ha trabajado en diferentes colaboraciones con la industria del cine, la moda y la música en proyectos y exposiciones a lo largo de Europa, Latinoamérica y Estados Unidos.

Su línea actual de trabajo explora el ambiente del estudio como una metáfora del paso del tiempo y la memoria. Las marcas, textos y capas en sus obras revelan su historia; haber nacido en Colombia y posteriormente vivir en Europa. Su trabajo reflexiona acerca del desapego y las relaciones humanas, y la la confrontación que representa una lucha inherente en el ser humano.

8 noviembre, 2018
Author: Jordi Noddings

Agustina Garrigou, defendiendo las imperfecciones.

 

Acabamos de incorporar en LAST una nueva colección de la ceramista Agustina Garrigou: Agelas, inspirada en las formas cilíndricas e irregulares  de las plantas acuáticas del mismo nombre que pueblan los mares poco profundos de medio mundo.  Agustina, de origen argentino, y muy ligada al mundo del diseño trabaja en este momento en una obra que busca en las diferentes texturas la combinación de materiales y colores, su medio de expresión. Defiende las imperfecciones y los resultados inesperados.

Las colecciones que realiza pueden ser tanto funcionales como escultóricas y siempre se concretan en piezas únicas que produce de forma limitada

En LAST hemos incorporado una colección de estas Agelas.  Jarrones esculturales de diferentes tamaños que expresan toda la creatividad de Agustina y definen perfectamente su forma de trabajar. Texturas, grietas, alternancias de color que proyectan una imagen original e inequívocamente irrepetible. ¿Imperfección? seguramente tan imperfectas como la vida, tan ciertas como el tiempo, tan singulares como ella.

Algunos pensarán que tanta filosofía no cabe en un recipiente. A nosotros nos gusta pensar que  el recipiente es la filosofía.

 

3 octubre, 2018
Author: adminroot

Designer Toy Explosion

Paul Budnitz’s, second book I Am Plastic, too,  the next generation of designers toys, new book in our store.

According to Wikipedia, the term Designer Toys is used to describe a toy or other collectible work of art made in limited quantities, usually by designers or graphic artists. The most common materials used to manufacture these toys are vinyl and plastic. Plush dolls are also a frequent designer toy.

But all is changing, as you can read in the Paul Budnitz s, second book, I AM PLASTIC TOO: The Next Generation of Designer Toys, published by Abrams.

Paul Budnitz is the founder of Kidrobot, the world’s premiere creator of art toys, fashion apparel and accessories. The son of a nuclear physicist and a social worker, Paul Budnitz was professionally coding safety analysis software for nuclear power plants by the time he reached high school. He also created video games for the now-legendary Commodore 64 home computer.

Budnitz studied photography, sculpture, and film at Yale University, earning honors in Art. His first two feature films, 93 Million Miles and Ultraviolet won awards at the Berlinale and many other film festivals, and were distributed worldwide.

Budnitz recognized the quirky, intricate toys as works of popular-art that mixed many aesthetic movements he loved — including fashion, cartoons, graffiti, comics, music, and fine art. Budnitz sold Minidisco and sunk the proceeds into founding Kidrobot in a California garage in 2002, leveraging the technology he’d developed for his older businesses. He moved the new company to New York City in 2003. “When I first started Kidrobot is was impossible to explain to people what I was doing. People would ask, ‘are they art or are they toys?’, and I’d say, ‘Both. Now the toys are in museums and they’re for sale in stores.”

 

Budnitz called upon the talents of friend  Tristan Eaton, the illustrator he’d worked with on his previous animated films. Together they created Dunny and Munny, two of Kidrobot’s best know and bestselling characters. With a philosophy of collaboration, Budnitz brought in dozens of other fine artists, graffiti artists, and illustrators to work on toy projects with the brand.

 

In 2010, thirteen toys created by Budnitz & Eaton were accepted into the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York City. Kidrobot’s innovative toys were also the centerpiece of the 2008 Cooper-Hewitt Smithsonian Museum Design Triennial.

 

 

Budnitz has worked with many of the world’s top artists, designers, and fashion brands. A short list includes artists & illustrators Frank KozikDalek(James Marshall), Doze GreenTara McPhersonGary BasemanHuck GeeShepard FairyEboyTiltPaul Pope; Designers including Heatherette, Jil SanderDries Van NotenMarc Jacobs, Louis Vuitton, and Prada; Musicians including Swizz Beatz and Gorillaz; and brands including NikeBarney’s NYCLaCosteBurton SnowboardsStandard HotelsSiemensSwatchVolkswagon; and many, many, many others.

 

3 octubre, 2018
Author: adminroot

Mickey Mouse cumple 90 años

El próximo 18 de noviembre, Mickey Mouse celebrará su 90 cumpleaños. Esta fecha coincidirá con el aniversario del estreno de su primera película, Steamboat Willie, el mismo día de 1928. Desde entonces, Mickey ha sido protagonista de más de 100 cortos animados, series de televisión y ha aparecido en miles de productos. A día de hoy es considerado uno de los personajes más emblemáticos de la cultura popular,  y por supuesto sirvió como inspiración también en el mundo del diseño.

 

En 1987 Javier Mariscal creaba la silla Garriri,  producida por Akaba. Este diseño es algo así como la versión en silla de unos personajes de cómic creados por Javier Mariscal,  los Garriri.  Lo que en palabras del arquitecto Juli Capella, sería algo así como un “Mickey Mouse underground hispano” El color negro de la piel, las patas que finalizan en sus botas características en aluminio inyectado, y unas orejas blandas en piel sobresalen del respaldo la hacen inconfundible.

 

 

Esta silla y otras un tanto especiales como la Tio Pepe, Biscuter o Torera,  constituyeron una colección un tanto especial que fue presentada por Mariscal en la exposición “Nouvelles Tendances” donde fue invitado a celebrar el décimo aniversario del Centre Pompidou de París.

14 septiembre, 2015
Author: adminroot

Introducimos `SWING´, complementos de moda, en dentrodeloquecabe.

El próximo dia 17 presentamos SWING una línea de complementos de moda para hombre y mujer. Objetos cuidados, escogidos, exclusivos y muy seleccionados que combinan y se integran a las mil maravillas entre nuestros muebles de autor.

Para la presentación de esta nueva línea de negocio en dentrodeloquecabe organizaremos un simpático evento para todos nuestro amigos el próximo día 17 de septiembre a partir de las seis de la tarde.

10 diciembre, 2014
Author: adminroot

Eduard Monràs: Las cicatrices del tiempo, en dentrodeloquecabe.

Eduard Monràs, profesionalmente situado en las antípodas del arte, busca y encuentra una escapatoria creativa en la aplicación de materiales orgánicos y urbanos que se resquebrajan y se transforman en una metáfora del paso del tiempo, de una naturaleza dura y cortante que choca con la humanidad racional. Fascinado por el detalle, por la textura, entiende la ejecución de sus cuadros como una meditación.

Nacido en Barcelona, experimenta desde hace años de manera autodidacta procurando no tener prejuicios en la aplicación de materiales a sus pinturas.  Monràs crea  sus texturas imposibles a través del control de la materia, con la previsión aleatoria de grietas y volúmenes, con el conocimiento a través de la experimentación,  con ese resquicio de incertidumbre que determina el tiempo y el proceso, apelando a un final incierto pero buscado.

En los cuadros de Monràs irrumpe un simbolismo profundo, meditado y reducido a los elementos más básicos. Las figuras se despojan de lo superfluo y se van desnudando de trazos y de color hasta reducirse a las formas básicas, a una esquematización del pensamiento, a un código interno y primitivo, que apela a la sensibilidad aún desde el desconocimiento.

Tres de sus obras ya están a vuestra disposición en dentrodeloquecabe

6 noviembre, 2014
Author: adminroot

The ephemeral…

Shiro Kuramata ‘Sing Sing’ chair

for XO Paris,1985

Kuramata’s designs reflect the confidence and creativity of postwar japan, retaining a strong identity based on traditional japanese aesthetics while breaking new ground through the use of innovative materials. He combined the japanese concept of the unity of the arts with his fascination with contemporary western culture, inventing a new design vocabulary:

The ephemeral, the sensation of floating and release from gravity, transparency and the construction of light. Kuramata reassessed the relationship between form and function, imposing his own vision of the surreal and of minimalist ideals  on everyday objects.

Despite their sleek machine-age appearance, each of Kuramata’s pieces is realized in a process of meticulous craftsmanship and painstaking attention to detail that is rooted in centuries-old Japanese tradition. Note, for example, the varied treatments of the edges of steel mesh in the slung seat Sing Sing Sing, the edges are bent and cut.

16 septiembre, 2014
Author: adminroot

Manolo Menéndez en dentrodeloquecabe

Manolo Menéndez,  es uno de los amigos que es recurrente en nuestra casa, pero quizás no sepáis que Manolo, nace en Santa Cruz de Tenerife, y cursa estudios de fotografía y cine. Rápidamente se interesa por los límites del medio fotográfico desde donde empieza a plantearse un modo de expresar los temas que le obsesionan: La identidad, el tiempo, y el rastro en la memoria. A medida que avanza en esta introspección  Menéndez se aleja cada vez más de ese lenguaje fotográfico para,  de forma progresiva interactuar con la pintura, la escultura y la instalación, creando un modo de expresión propio y cambiante.

Lejos de la voluntad de documentación grafica, Manolo entiende el Arte como medio libre de expresión. Artista visceral, y honesto. Interesado por en la experimentación, ha expuesto en Barcelona, Estambul y Rotterdam.

Ahora en dentrodeloquecabe, colgamos algunas de sus obras recientes en nuestras paredes. Cuando queráis sólo  teneis que acercaros…

y disfrutar.

10 julio, 2014
Author: adminroot

Summertime…

Summertime an’ the livin’ is easy,.. cantaba Sinatra, Nosotros también nos hemos puesto de verano, y para muestra un botón. Aquí os dejamos con una fotografía espectacular de Manolo Menéndez, una delicatesen en forma de mueblecito de palisandro, dos diamond chair de Bertoia, unas basket chair de Gian Franco Legler alrededor de una mesa en maderas tropicales, y más…

Pero mejor os acercáis y lo disfrutamos juntos.

25 junio, 2014
Author: adminroot

Mario Botta, Max Sauze y Mauro Martini, tras la puerta…

Para realizar este escenario nos inspiramos en el acero y en los años 70 y 80. Para ello seleccionamos a tres diseñadores, uno francés y dos italianos,  los juntamos a los  tres y cada uno aportó lo suyo. Mario Botta puso la geometría de «la Quinta» de formas rotundas y simétricas. Así es su silla diseñada en 1985 en acero chapa perforada lacada en negro y editada por Alias hasta hoy. De Max Sauze tomamos sus mesas «Isocèle» en tres medidas diferentes. También en acero pero esta vez cromado y con un sobre de cristal ligeramente ahumado y las edito Atrow a principio de los 70. Hoy están fuera de producción. Y lo mismo sucede con la lámpara «Picchio» que diseño Mauro Martini en 1976. construida en chapa de aluminio lacado, puede orientarse fácilmente mediante un sistema de contrapeso.

Los presentamos como es debido, los acompañamos hasta la puerta, y empezaron a interactuar… A mi me parece una conversación interesante

13 junio, 2014
Author: adminroot

Cambiamos a horario de verano.

 

Del 15 de julio al 15 de septiembre

HORARIO DE VERANO

  • Lunes a Viernes de 16 a 21 h.  / Mañanas visitas concertadas
  • Sábados de 11 a 14 h.